Jouer en groupe n’est pas un exercice naturel, car l’apprentissage se fait souvent de manière individuelle, chacun travaillant chez soi avec une grande liberté. Et comme tout groupe, un groupe de louange doit composer avec des talents, des cœurs, mais aussi des personnalités, des goûts, des humeurs…

Jouer en groupe demande un effort, car la plupart du temps, cela nécessite d’apprendre à se restreindre, à s’ouvrir en écoutant les autres, en jouant en fonction des autres. Si tout le monde joue ensemble à sa façon, le résultat est souvent brouillon, inaudible et au final… frustrant pour chacun.

Voici 7 règles pour vous aider à améliorer votre jeu de groupe.

1 – Se connaître et devenir une équipe

Il est très difficile de marcher ensemble lorsqu’on ne se connaît pas. En fait je n’aime pas tellement le terme « groupe » pour désigner un ensemble de musiciens, car cela suppose qu’il suffit d’ajouter des talents les uns aux autres pour que ça marche. Cela est faux. On devrait plutôt parler « d’équipe » de louange. Une équipe est un ensemble de personnes qui ont un objectif commun, et qui mettent leur talent au service de l’équipe et des autres équipiers pour atteindre ce but. A l’image d’une équipe de rugby, chacun a un rôle à tenir, complémentaire aux autres, et chacun veut aller marquer des essais.

Une équipe est un ensemble de personnes qui ont un objectif commun, et qui mettent leur talent au service de l’équipe et des autres équipiers pour atteindre ce but.

Il est important de vous connaître : musicalement bien sûr, mais aussi personnellement et spirituellement. Si vous ne l’avez jamais fait, je vous encourage à prévoir des temps pour discuter tranquillement des buts de votre équipe, de la façon d’y parvenir, des expériences de chacun. De même, prévoyez des temps spirituels ensemble pour percevoir le cœur de chacun et synchroniser vos esprits avec l’Esprit, unifier vos cœurs avec le cœur du Père. Prenez des temps de détente ensemble, hors de tout contexte musical ou vous apprendrez à vous connaître personnellement.

Sachez qu’il n’existe pas de véritable équipe sans qu’elle n’ait traversé des temps difficiles ensemble.

Enfin sachez qu’il n’existe pas de véritable équipe sans qu’elle n’ait traversé des temps difficiles ensemble : temps de louange « ratés » (notion toute relative, mais vous voyez ce que je veux dire), incompréhensions entre membres, etc. La condition est d’en parler ensemble, de se retrouver, de se pardonner et de repartir. Votre équipe n’en deviendra que plus forte.

Et bien entendu, répétez le plus souvent possible, dans la bonne humeur, alternant travail et détente, spirituel et technique.

2 – Chacun son rôle à jouer

Impossible de jouer correctement ensemble si on ne sait pas quel est son rôle dans le groupe, et quel est celui des autres. Chaque instrument a un rôle spécifique, que je vais distinguer en 3 familles : la base musicale, les instruments d’accompagnement, les instruments solistes. Sachant que ces 3 familles ont pour objectif de soutenir les voix, que l’on peut distinguer dans 2 catégories : les voix de chœur et les voix solistes.

La base musicale : dans un groupe standard, on y retrouve la batterie et la basse. C’est à eux que reviennent de créer la fonction musicale (le rythme et la note de base). Le batteur et le bassiste doivent être parfaitement synchro, sachant que le bassiste s’appuie sur la grosse caisse de la batterie. Si la rythmique basse/batterie de base est bonne et synchro, 80% du travail est fait. Le reste du groupe va pouvoir s’appuyer sur eux pour venir s’ajouter et non pas « tirer » la musique : en effet le gros défaut est souvent que le leader (au piano à la guitare et/ou à la voix) va « tirer » la musique en imposant une cadence et des notes. C’est en fait assez frustrant pour lui, car il se retrouve souvent à devoir ajuster la musique au lieu de s’appuyer dessus pour avoir l’esprit libre : le batteur et le bassiste ne doivent pas « suivre » la musique, il doivent la porter (bien entendu, avec les instructions ou le savoir-faire nécessaires).

Exceptions : s’il n’y pas ces instruments dans votre groupe, c’est souvent l’instrument d’accompagnement qui prend le relai (guitare acoustique ou piano par exemple). Dans ce cas, si c’est possible, il faut demander à une autre personne que le conducteur de tenir le rôle de base musicale, en se focalisant sur le tempo et les accords (plutôt plaqués, simples, marqués que des arpèges par exemples). Au passage, il est difficile de conduire la louange avec une batterie ou une basse, vous l’aurez remarqué. Autre exception : la batterie peut être remplacée par un autre instrument rythmique (ex : djembé, congas, cajun…) mais le principe reste le même.

Les instruments d’accompagnement : la plupart du temps il s’agit d’une guitare acoustique (ou électro-acoustique), d’un piano, voire d’une guitare électrique rythmique dans les groupes modernes. C’est l’instrument privilégié du conducteur, car il lui permet de ne pas se soucier de poser la base musicale (et donc de « tirer » la musique »), mais d’orienter tout de même le chant en fonction de sa perception spirituelle.

Le problème vient souvent de la multiplicité de ces instruments : exemple 1 piano et 1 guitare, 2 guitares… Sachez que la règle ci-après « plus il y a d’instruments, moins je joue » s’applique particulièrement à ce cas. S’il peut être tolérable qu’un piano et une guitare jouent ensemble en accompagnement (2 guitares acoustiques), il est néanmoins recommandé de ne pas jouer la même chose, car en se faisant, les instruments se superposent et se confondent : c’est frustrant car chacun est tenté de jouer plus fort que l’autre pour se distinguer.

Deux solutions : 1) l’un des deux (en général celui qui ne conduit pas) se comporte comme un instrument soliste. C’est bien sûr plutôt à recommander s’il n’y a pas trop d’instruments solistes par ailleurs. 2), les deux instruments se « répartissent » l’accompagnement. Exemples :

- Guitare : rythmique de base, piano : accords plaqués ou « nappes » (son de violons sur des notes longues)

- Guitare : rythmique de base, piano : phrases courtes une octave plus haut

- Guitare 1 : rythmique de base, guitare 2 : rythmique complémentaire avec un capo (plus haut sur le manche)

- Piano : rythme de base, guitare, rythmique complémentaire légère

- Guitare : rythme de base, piano accords plaqués, guitare électrique : petit rythmes sur quelques notes maxi

Privilégier la solution la plus simple pour le conducteur, pour l’aider à avoir davantage l’esprit libre.

Encore une fois, privilégier la solution la plus simple pour le conducteur, pour l’aider à avoir davantage l’esprit libre. Pensez également à alléger les rythmiques, notamment sur les couplets des chants pour aider les chanteurs à poser tranquillement leur voix.

A noter, certains instruments peuvent se comporter comme des instruments d’accompagnement comme le violon ou le violoncelle par des notes longues qui soutiennent.

Les instruments solistes : normalement révélateurs/sublimateurs d’une chant et… parfois casseroles fracassantes, les instruments solistes sont ceux pour qui la frustration est la plus grande. Car ils doivent sublimer par petites touches un chant. Mais c’est dans les petites touches bien placées et bien musicales qu’ils doivent trouver leur satisfaction. Et plus il y a d’instruments solistes, plus le périmètre se réduit, se réduit, se réduit…

Les instruments solistes : instrument d’accompagnement jouant le rôle soliste, guitare électrique « lead », cuivres, vents, harmonica, violon, violoncelle, etc, etc.

Quelques conseils pour ces instruments-là :

- ils ne devraient pas couvrir le chant ou jouer les notes de la mélodie qui est chantée : car dans ce cas là ils couvrent le chant et c’est donc le contraire du but recherché (cela ne soutient en rien le chant d’avoir la mélodie dans les oreilles, ça perturbe !)

- Ils devraient donc plutôt localiser dans le morceau les zones non-chantées : introduction, coupures de phrases (ex : passages entre couplet et refrain), passages instrumentaux, fin des chants.

Instruments solistes : jouez des petites phrases musicales (riffs) plutôt que la mélodie !

- Un bon exercice est de travailler des « riffs », c’est à dire de « petites phrases » musicales qui se répètent (avec pourquoi pas quelques notes différents en fonction des passages), qui se « répondent » entre deux parties de chant (et pourquoi pas entre deux instruments solistes différents). Pensez aussi à ne pas remplir absolument tous les blancs d’un chant et à en laisser quelques-uns pour laisser « respirer » l’oreille de votre auditoire.

Pensez à ne pas jouer !

- Pensez à ne pas jouer ! Car votre rareté dans un morceau ou dans une suite de chants va aussi vous faire ressortir beaucoup plus. Un instrument soliste que l’on entend trop, va très vite lasser l’oreille (beaucoup plus vite que les autres instruments). Choisissez parmi les morceaux ceux qui vont le mieux avec votre instrument en fonction du style ou la force, et ne jouez pas sur les autres du tout.

Note : certains instruments solistes peuvent former des groupes solistes, comme par exemple une trompette et un saxophone pour une section cuivrée. Ce qui peut être très riche c’est qu’ils jouent des riffs synchronisés (même phrase avec des intervalles entre instruments, instruments qui se répondent, etc.)

Pour les voix, je ferai peut-être un sujet à part entière. Sachez que le principe est relativement le même que pour les instruments.

3 – S’écouter les uns les autres

Une des raisons pour lesquelles il est difficile de jouer en groupe, c’est que souvent si on ne maîtrise pas suffisamment l’instrument (ou le chant) on se focalise quasi-exclusivement sur son propre jeu. Hors justement le principe de jouer en groupe suppose que chacun trouve sa place dans le contexte sonore d’ensemble (quel est mon rôle, est-ce que je joue dans le spectre grave, medium, aigu ?).

De plus cette capacité d’oreille à entendre les instruments au sein d’un spectre musical se travaille : je vous conseille de vous passer des morceaux de musiques et d’essayer de focaliser votre attention pour entendre chaque instrument. C’est très difficile au début, ça demande de l’entraînement. Si vous écoutiez chaque piste sonore d’un instrument sur un bon morceau, vous vous apercevriez que chaque instrument joue relativement « peu » : c’est souvent assez surprenant. Si j’ai le temps, j’essaierai de vous faire vous avec une de mes compos.

Allégez, allégez, allégez votre jeu quand vous jouez en groupe.

Le « secret » est donc d’alléger, d’alléger, d’alléger votre jeu, pour n’en tirer que l’essence la plus jolie.

4 – Plus on est nombreux, moins je joue

L’espace sonore se partage : plus on est nombreux, plus il faut réduire sa part.

Si vous ne devez retenir qu’une seule règle de cet article, c’est celle-là. L’espace sonore est riche, mais pas illimité. Il faut donc le voir comme un espace qui se partage : plus on est nombreux, moins notre part est grande. Cela ne doit pas être une frustration, car un groupe complet permet une grande variété musicale.

Je ne peux pas jouer en groupe, comme tout seul à la maison ou l’espace sonore m’appartient exclusivement. Il faut donc se répartir les rôles (cf. ci-dessus) et l’espace musical (je joue plus rythmique, toi plus solo, je joue plus grave, toi plus aigu). Le pire des cas est que chacun ne s’en préoccupe pas : le rendu est souvent brouillon est frustrant. De même s’il y a « compétition » pour prendre une partie de l’espace musical, chacun essayant de jouer plus fort que l’autre et se désolidarisant du reste du groupe (ex: deux instruments solistes qui jouent au même moment et différemment).

Si vous n’arrivez pas à vous glisser dans cet espace, il faut en parler avec le reste du groupe plutôt que d’essayer de « jouer des coudes » (musicalement parlant). La plupart du temps, on pourra vous faire de la place (certains acceptant de moins jouer à certains moments, moment instrumental dédié, etc.).

Faire de la place les uns aux autres dans l’espace musical, c’est aussi faire de la place au Saint-Esprit pour agir.

Faire de la place les uns aux autres dans l’espace musical, c’est aussi laisser planer un temps de suspense (entendez « suspendu », ou « quelle est la suite »), et c’est aussi faire de la place au Saint-Esprit pour agir : au travers d’un instruments, d’une parole, ou d’une possibilité donnée au leader d’effectuer un changement de direction (ce qui est plus difficile si tout le monde jour tout le temps).

Un instrument de base jouera très souvent (mais on peut sur certains morceaux, certains passages, se passer de la batterie ou de la basse). Mais il aura l’inconvénient de devoir « tirer » la musique.

Un instrument accompagnement jouera relativement souvent, mais devra très vite faire de la place et beaucoup de restreindre s’il y en a plusieurs car l’espace pour ces instruments se réduit vite. Une astuce est de se dire que s’il y a 2 instruments d’accompagnement, chacun doit jouer deux fois moins de notes  et ainsi de suite.

L’instrument soliste jouera peut et par alternance, et encore moins s’il y en a plusieurs, sachant qu’on peut très bien se répartir chants lents (flûte)/chants rythmés(cuivres)…

Tous les instruments ne devraient pas jouer sur tous les chants.

Enfin, tous les instruments ne devraient pas jouer sur tous les chants. Là aussi, sur l’ensemble de la musicalité d’un temps de louange, la lassitude auditive vient vite si tous les chants on la même base instrumentale. Pensez à alterner les chants avec beaucoup d’instruments (chants rythmés), avec des chants plus soft avec quelques instruments, voire pourquoi pas un seul. Cela est valable aussi pour les différents passages d’un chant, ou certains instruments ne devraient apparaître qu’à certains moments, par alternance, ou par « apparitions » successives pour monter le chant vers plus d’intensité au fur et à mesure.

5 – Communiquer

Le chant avec sa musique est une entité vivante. D’autant plus un chant de louange, porté par le Saint-Esprit. Il doit bouger, passer par des phases d’intensité différentes, avec plus ou moins d’instruments, plus ou moins de silences. Il est donc important de changer de cap tous ensemble de se « parler » par des signes.

Sur scène, cherchez vous du regard.

L’essentiel de la communication ne pouvant passer par le son comme d’habitude (puisqu’il y a la musique), la communication non-verbale devient primordial. En premier lieu : le regard. Chaque membre devrait être en mesure de pouvoir regarder le plus de monde possible dans les yeux. Ceux qui sont devant doivent se retourner, se cherche du regard.

Bien sûr les bons groupes avec d’excellents musiciens qui ont l’habitude se regardent peu. Parfois parce qu’ils ont une partition à jouer et donc ils savent précisément où aller, parfois parce que leur oreille affuté leur permet de s’ajuster automatiquement en fonction de la musique, et souvent parce qu’ils ont tellement l’habitude d’être ensemble que tout est plus facile.

Mais dans un groupe de louange, c’est plus souvent un mix de personnes qui n’en sont pas là (musicalement ou dans les relations) et donc la communication est primordiale, surtout que la particularité d’un chant de louange est (souvent) de ne pas être cadré totalement en terme de musique, de reprises, d’alternance d’intensité et que cela doit s’improviser.

Le travail gestuel peut aider mais c’est souvent un peu moins pratique à cause de l’instrument entre les mains.

Dans le pire des cas, on peut très bien se poser entre deux morceaux et discuter, ou alors faire passer un message d’oreille en oreille.

6 – Travailler chez soi en mode « groupe »

Quand on joue en groupe il est important aussi que chez soi le travail puisse se faire comme si le jeu était en groupe. C’est un exercice difficile au début, car l’espace que l’on est supposé laissé aux autres, n’est alors rempli que par du silence.

Cependant cela permet de mieux mesurer quel est l’effort à fournir : si vous êtes un instrument d’accompagnement, et que vous savez que vous devrez jouer à deux, essayer chez vous de jouer « deux fois moins ». Vous allez voir combien c’est difficile !

Bien entendu, le plus facile est aussi de s’entrainer avec la musique d’un groupe, pour vous aider. Mais dans ce cas, la difficulté réside dans le fait que d’autres instruments occupent « votre » place et comme un morceau enregistré cherche en général à couvrir l’espace sonore, vous aurez « peu » de place.

7 – Le plaisir de jouer ensemble

Je ne saurais trop vous conseiller d’essayer de poser votre base musicale de manière simple pour découvrir à quel point jouer ensemble (et non pas les uns à côté des autres) est source de plaisir.

Prier, rigolez un bon coup, et prenez un chant que tout le monde connaît. Essayer de poser d’abord la rythmique avec basse et batterie. Tant que cette partie n’est pas « nette », n’essayez pas d’aller plus loin. Ensuite, ajouter les instruments rythmiques, de manière légère et partagée, jusqu’à obtenir une assise musicale complète et plaisante.

Ensuite vous pouvez ajouter des riffs courts et musicaux, alternés, de la part d’instruments solistes. Les voix peuvent se rajouter ensuite (les instruments solistes et d’accompagnement faisant attention à adapter leur jeu pour mettre les voix en valeur).

Si votre temps musical est plaisant, il sera d’autant plus facile d’entrer dans la présence de Dieu.

Si votre temps musical est plaisant, il sera d’autant plus facile d’entrer dans la présence de Dieu. Car vous vous sentirez portés par la musique, inspirés par l’Esprit, avec une musique qui Lui laisse « plus de place ».

Paul est l’un des conducteurs de louange que j’apprécie le plus, tant par la qualité et la simplicité de ses chants (« Qui est semblable ? »…) que par la simplicité de son coeur et son désir d’enseigner et de partager ses connaissances.

A ce titre, sa chaine Youtube est un bel exemple : http://www.youtube.com/leadworshipdotcom

Vous y trouverez des chants, des enseignements, des cours de guitare électrique et accoustique. Si vous avez un compte Youtube ou Google, vous pouvez vous abonner pour être informé(e) des nouvelles vidéos publiées.

Paul est vraiment quelqu’un qui inspire les autres, je vous recommande chaudement ses albums.

Pouvoir jouer la plupart des chants avec quelques accords de base, voilà qui est intéressant pour les amis guitaristes ! Et bien… c’est possible.

Paul Baloche, célèbre conducteur de louange américain a mis un nom sur cette technique utilisée par des professionnels de la guitare : le concept de l’accord ouvert (open chord concept). Les explications de base de cette technique ont été magnifiquement mis en pratique par mon ami Steph Torregrosa.

La gamme de Do

Les accords principaux de la gamme de Do en accord ouvert sont : Do, Fa, Solsus4, Lam7, Rém7. Les 5 accords sont utilisables dans l’accord ouvert, avec la possibilité d’ajouter plusieurs varitations, ce qui est très intéressant. Pour avoir un exemple audio d’utilisation, vous pouvez consulter la compo Combien tu es grand : elle est jouée sur cet ensemble d’accords avec capo en 2ème case (en Ré, donc).

La gamme de Sol

Les accords principaux de la gamme de Sol en accord ouvert sont : Sol, Résus4 (ou Ré), Do2, Mim7, Lam7. Là aussi, les 5 accords sont utilisables facilement, à l’exception peut-être du Lam qui demande un mouvement un peu plus prononcé. L’exemple typique est le chant God of wonders de Paul Baloche : vous pouvez télécharger les paroles et accords et voir le morceau joué en vidéo* sur le site de Paul. Là aussi le merceau est joué avec un ton de plus : capo 2ème case, en La, donc.

Les accords :

* Un lecteur compatible avec le format RM (Real Media) est nécessaire, comme par exemple le lecteur Real Player.

Vos commentaires !

Bien sûr si vous avez du mal avec ces explications, si vous voyez une erreur, si vous connaissez d’autres accords de ce type, n’hésitez pas à laisser un petit commentaire.

Quelques liens utiles

• Dictionnaire d’accords au format PDF (merci Steph)
• Logiciel en ligne pour écouter les accords

Crédits

• Ressources de louange (le blog de Steph)
• Diagrammes © Electric-guitar.co.uk
• Le site officiel de Paul Baloche

Article de la série 'Les accords ouverts'

1. Les accords ouverts (1/2)
2. Les accords ouverts (2/2)

Pouvoir jouer la plupart des chants avec quelques accords de base, voilà qui est intéressant pour les amis guitaristes ! Et bien… c’est possible.

Paul Baloche, célèbre conducteur de louange américain a mis un nom sur cette technique utilisée par des professionnels de la guitare : le concept de l’accord ouvert (open chord concept). Les explications de base de cette technique ont été magnifiquement mises en pratique par mon ami Steph Torregrosa.

Je vais essayer d’en faire une version à la fois simplifiée dans son explication, mais aussi étendue en vous donnant d’autres exemples. Attention, un tout petit minimum de solfège et de guitare est nécessaire pour comprendre l’article : savoir ce qu’est un accord, savoir ce que sont les tons et les demi-tons… Bien entendu, cette technique fera bondir les puristes de la guitare car c’est une astuce de « fénéant ». Mais si elle ne vous dispense pas d’aller plus loin dans votre technique, elle vous permettra au moins d’étendre votre répertoire et de travailler votre oreille.

Le concept

L’accord ouvert c’est un principe simple : une position de doigts qui changent peu entre plusieurs accords d’une gamme, comme si un seul accord permettait en réalité d’en faire « plusieurs ». A partir de là, on peut facilement enchaîner plusieurs accords sans bouger les doigts de façon excessive. Du coup, on se sent plus à l’aise sur le chant.

Application grâce aux gammes et au capo

Je vous présenterai 3 gammes d’accords ouverts. Il en existe probablement d’autres, et avec plusieurs variantes, mais avec ces trois-là, il devrait être possible de couvrir une large étendue de chants. Ces gammes seront Mi, Do et Sol. L’utilisation d’un capo nous permettra d’étendre ces gammes :

• La gamme de Mi pourra facilement être étendu aux gammes Fa et Fa# (voire Sol)
• La gamme de Do aux gammes Ré♭, Ré, Mi♭
• La gamme de Sol aux gammes Sol# (La♭), La, Si♭ (voire Si)

Bien entendu, si vous en connaissez d’autres, n’hésitez pas à nous les proposer en postant un commentaire.

Légende des diagrammes

Les diagrammes présentés représentent les 6 cordes d’une guitare accordée de manière standard. Au dessus du diagrammes les ronds « o » représentent des cordes qui doivent être jouée à vide (sans doigt sur la corde) et les croix « x » des cordes qui ne doivent pas être jouées. Sur le diagramme les points représentent la position des doigts. Les points rouges mettent en évidence les positions de doigts qui ne doivent ne bougent pas entre les accords dans le concept de l’accord ouvert. Un petit chiffre en haut à droite représente un numéro de case en partant du haut du manche. S’il n’y en a pas, le haut du diagramme coresspond au haut du manche.

Gamme de Mi

Les accords principaux de la gamme de Mi en accord ouvert sont : Mi5, La2 (ou Lasus2), Sisus4, Do#m, Fa#m7. Parmi ces 5 accords, seul le Fa#m est exclu (à ma connaissance) de l’accord ouvert, et nécessitera donc de changer de position. Pour avoir un exemple audio, vous pouvez vous rendre sur le blog de Steph.

Le Mi peut se jouer de 2 manières, le Mi « classique », qui n’est pas dans l’accord ouvert, ou le Mi dit « Mi5″ qui est le même que l’accord de Si ou de Do#m mais décalé de plusieurs cases sur manche.

Au prochain épisode…

Dans la deuxième partie de l’article, nous verrons les gammes de Do et de Sol sur le même principe.

Vos commentaires !

Bien sûr si vous avez du mal avec ces explications, si vous voyez une erreur, si vous connaissez d’autres accords de ce type, n’hésitez pas à laisser un petit commentaire.

Article de la série 'Les accords ouverts'

1. Les accords ouverts (1/2)
2. Les accords ouverts (2/2)

Article suivant dans cette série

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